Franco Fossa, particolare, Ambiente, 1981-bronzo

Fu uno dei nostri amati colleghi insegnanti del Liceo Artistico di Busto Arsizio…una persona estremamente discreta , serena , gentile e sempre attenta e disposta ad apportare idee e opinioni per migliorare le cose. Insomma, un uomo, un cittadino, un artista che davvero rappresenta l’anima e lo spirito di quel periodo alto e intenso dell’Italia della Resistenza e della Costituzione.

Franco Fossa, uomo, 1977, bronzo, 45x45cm

“Fossa ci da…un’immagine in tre tempi sovrapposti: l’uomo solo, l’uomo in gruppo diseredato, gli uomini che muovono affiancati nel segno della propria forza e dignità. È quasi un’immagine “pedagogica”, dove egli propone e risolve simbolicamente il problema dell’uomo all’interno delle contraddizioni della società contemporanea” Mario De Micheli , 1973

Franco Fossa, Soli, 1979, ottone e bronzo

FRANCO FOSSA
La figura e i suoi luoghi
a cura di Massimo Bignardi
MUSEO CIVICO FOGGIA

22.06 > 06.10.2013
Inaugurazione Sabato 22 giugno 2013 ore 19.00

comunicato stampa

“Inaugura sabato 22 giugno alle ore 19,00 la grande mostra antologica che il Museo Civico di Foggia dedica allo scultore Franco Fossa (Milano, 1924 – Rho 2010), tra i grandi interpreti del “realismo esistenziale” italiano degli anni Cinquanta.

La mostra dal titolo Franco Fossa. La figura e i suoi luoghi, è stata curata da Massimo Bignardi, docente di Storia dell’Arte contemporanea presso l’Università di Siena e, sin dagli anni Ottanta, amico dell’artista e suo attento conoscitore. Il percorso espositivo disegnato negli spazi del Museo di Foggia, con la puntuale regia della moglie, la signora Maria Grazia Fossa, nonché di Salvatore Lovaglio ed Antonio Maria Pecchini inseparabili presenze nella vita dell’artista lombardo negli ultimi quattro decenni, propone una organica selezione di opere che, dagli anni Cinquanta giungono ad oggi, documentando tutti i linguaggi, le materie – dal legno al bronzo, alla terracotta – che hanno segnato la sua cinquantennale esperienza: opere che testimoniano la capacità di un artista «di possedere un senso – rilevava già nel 1954 Mario De Micheli – plastico istintivo e un mestiere già abbastanza formato […] ».

«È sul finire degli anni Quaranta – scrive Bignardi nell’articolato saggio che introduce il volume monografico pubblicato per questa occasione dalle Edizioni Nomos – che Franco Fossa lascia le aule di Brera e avvia la sua esperienza in una città, Milano, impegnata con passo svelto a ricostruire la sua “realtà”. La scena artistica milanese contribuirà inequivocabilmente sia alla formazione del suo solido mestiere di scultore, consentendogli di spaziare in diversi ambiti della ricerca scultorea senza registrare cedimenti formali, sia all’articolazione di un linguaggio che ha le sue radici nel profondo della coscienza civica. La sua scultura, lo è stato fino agli ultimi anni di vita, accoglie da subito l’impronta di una domanda che il “sé” pone al suo specchio, facendosi misura, direbbe Hillman, di quella relazione che fa dipendere la “coscienza” dalla “immaginazione”, avvertendo prontamente che quest’ultima “occupa un posto centrale nell’anima”.

Come è possibile leggere in tutta la sua opera, Fossa prova a collaudare la resistenza di repertori figurativi, mettendo a registro le diverse anime della sua formazione: vale ricordare che studia dapprima alla scuola di Marino Marini, presso l’Istituto superiore per le industrie artistiche di Monza, al tempo una fucina per molti giovani artisti dell’intera penisola, e poi al magistero di Giacomo Manzù e di Francesco Messina, presso l’Accademia di Brera.

Le teste, le figure realizzate nei decenni Quaranta e Cinquanta, liberate dal blocco di legno o modellate nella materia plastica dell’argilla e più tardi tradotte nella solidità del bronzo, dichiarano infatti percorsi ancora freschi della sua formazione. Da una parte affiora il senso della storia che gli proviene dall’insegnamento di Marini, dalle prove che il maestro affiderà ad una forma oramai decisamente distante dal naturalismo “universalistico” delle sue pomone, in virtù di un modellato sintetico con il quale si fa interprete di un sentimento della storia al cui centro pone l’uomo. Dall’altra lo sguardo terreno dell’uomo ancorato alla forza dell’esistenza che Fossa apprende da Manzù, come testimoniano alcuni gessi patinati che realizza nel corso degli anni Cinquanta nel quale un modellato orchestrato da minimi scarti, sparge sulla forma una luminosità vibrante.

È la stessa luce interiore che l’artista fa scivolare nelle opere degli ultimi anni, nei sui ambienti, nei labirinti, nei luoghi di un “realismo” che non ha mai lasciato».

Franco Fossa, Testa bambino, 1949 cera

Nato a Milano nel 1924, Franco Fossa ha segnato l’arte contemporanea inserendosi a pieno titolo nel filone del Realismo Esistenziale al quale si associano i grandi nomi di maestri dell’arte italiana. A partire dagli studi all’Umanitaria di Milano e poi all’Istituto Superiore per Industrie Artistiche di Monza dove ha come maestro Marino Marini, per arrivare al diploma all’Accademia di Brera di Milano dopo aver seguito, tra gli altri, i corsi di Giacomo Manzù e di Francesco Messina. Dopo aver partecipato nel 1948 al Premio Medardo Rosso all’Accademia di Brera, ordina la sua prima personale nel 1949 al Centro Culturale di Rho facendola seguire dalla presenza a molti concorsi nazionali tra i quali il Premio Suzzara: Fossa partecipa a tre edizioni della storica manifestazione: nel 1952, nel 1958 e nel 1960 la sua opera venne segnalata dalla giuria. Nel 1982 realizza a Busto Arsizio in piazza Galiberti il monumento alle Vittime del Lavoro e nel 1999 la Civica Galleria d’Arte Moderna di Gallarate organizza un’esauriente mostra antologica. Sue opere sono conservate in importanti musei e collezioni d’arte. Muore a Rho nel 2010

Franco Fossa, Ritratto di A.F. 196, bronzo, 32x28x22cm

Museo Civico Foggia piazza Vincenzo Nigri, 1 – Foggia tel. 0881 814041 – 814042
apertura: da lunedì a domenica ore 9,00 – 13,00 Martedì e giovedì ore 9,00 – 3,00 / 16,00 – 19,00 info: museo@comune.foggia.it

Franco Fossa, Ritratto di M.Z.,1966, gesso patinato, 28x28x22-cm

Franco Fossa, Ritratto, 1970, gesso patinato, 30 cm

1983, sulla sinistra della foto, la chiesa di Santa María de los Angeles, nel Barrio Riguero a Managua, Nicaragua, Centro America.

Lonate Pozzolo (VA), Chiesa di Santa Maria degli Angeli

Ovviamente le soluzioni plastiche e stilistiche sono risultate molto differenti, come potete vedere nelle foto. Il pittore italiano AURELIO C., grande maestro e grande amico, ha visitato entrambe le opere in varie opportunità, e nel 1990 ha scritto una lunga riflessione, che riproduciamo integralmente in questo Post.

Consigliamo di leggere questa preziosa testimonianza con calma e attentamente, perchè risulta essere anche una pagina di Storia dell’Arte di quella seconda metà del ‘900, quando ormai il conflitto non era più e solamente tra “Astrattisti” e “Realisti”, ma tra la ricerca di nuovi cammini per le Belle Arti o Arti Plastiche e la negazione delle stesse, con l’avvento della cosidetta “arte contemporanea”.

Sergio Michilini, ASSUNZIONE,1982, cupola di Santa Maria degli Angeli, Lonate Pozzolo (VA)

Sergio Michilini, 1983/85, RESURRECCION, Iglesia Santa Maria de los Angeles, Managua, Nicaragua

Sergio Michilini, 1983/85, RESURRECCION, Iglesia Santa Maria de los Angeles, Managua, Nicaragua

Sergio Michilini, 1983/85, RESURRECCION, Iglesia Santa Maria de los Angeles, Managua, Nicaragua.

Sergio Michilini, 1983/85, Zona Devozionale, Iglesia Santa Maria de los Angeles, Managua, Nicaragua

1982-1985, LA CHIESA SANTA MARIA DE LOS ANGELES, BARRIO RIGUERO, MANAGUA, NICARAGUA

Lonate Pozzolo (VA), facciata della chiesa di Santa Maria degli Angeli

Sergio Michilini, ASSUNZIONE,1982, cupola di Santa Maria degli Angeli, Lonate Pozzolo (VA)

Sergio Michilini, ASSUNZIONE,1982, cupola di Santa Maria degli Angeli, Lonate Pozzolo (VA)

Sergio Michilini, ASSUNZIONE,1982, cupola di Santa Maria degli Angeli, Lonate Pozzolo (VA)

Sergio Michilini, ASSUNZIONE,1982, cupola di Santa Maria degli Angeli, Lonate Pozzolo (VA)

Continua: LONATE POZZOLO, LA STORIA DELLA CUPOLA DI SANTA MARIA DEGLI ANGELI

“SONO IO CHE NON CAPISCO – Riflessioni sull’arte contemporanea di un obiettore alla crescita”

Questa notizia l’ho appena ricevuta e il libro non l’ho ancora letto (spero che qualcuno, prima o poi, possa mandarmene una copia, o portarmela, qua a Managua dove vivo).

Ma non ho dubbi sulla qualità delle riflessioni di Maurizio Pallante. D’altra parte, pochi mesi fa ho aderito al MANIFESTO ARTE E DECRESCITA.

Credo che finalmente anche a livello teorico siamo sulla strada giusta (in quello pratico ho sempre seguito, come tanti, questo cammino), per uscire dalle sabbie mobili dell’ “arte contemporanea” che, con i suoi principi, dogmi, canoni, metodi e sistemi si è trasforamata in una vera e propria ARTE DI STATO (possiamo sicuramente affermare che semmai avesse ancora un senso ed esistesse oggi una “avanguardia” questa si troverebbe esattamente nella opposizione radicale e totale alla cosidetta “arte contemporanea”).

2008, Torino, il sottoscritto davanti ad uno degli incubi.

Dalla Prefazione di Paolo Portoghesi al libro di Maurizio Pallante “SONO IO CHE NON CAPISCO – Riflessioni sull’arte contemporanea di un obiettore alla crescita”.

[…] Con disarmante chiarezza Maurizio Pallante individua in questo pamphlet i nessi che legano l’arte moderna alla società attuale e illustra i paradossi di una cultura artistica che pretende di essere alternativa al sistema mentre ne ha subíto l’influenza fino a diventarne lo specchio.
[…] Gli aspetti della società consumistica che hanno plagiato l’arte contemporanea, messi in rilievo da Pallante, sono principalmente il mito del nuovo fine a se stesso, l’esasperato individualismo, la distruzione della memoria, la sottrazione della produzione artistica alla preparazione tecnica che legava arte e artigianato, la liberazione dell’arte quindi dal lavoro paziente che ne era alimento essenziale, la rimozione del concetto di bellezza e la tendenza a fare dell’operazione artistica un semplice riconoscimento del valore concettuale attribuibile a oggetti esistenti elevati al rango di opere d’arte.
[…] L’invito che scaturisce dalle riflessioni di Pallante è quello, rivolto agli artisti, di liberarsi «dai vincoli imposti all’espressione artistica dall’arte di regime». «Poiché nei sistemi economici finalizzati alla crescita questa è l’arte riconosciuta ufficialmente, sostenuta finanziariamente e imposta dal Potere» la critica a questo genere di arte «assume la valenza di una rivoluzione culturale» e il suo abbandono darà «un contributo imprescindibile al processo di liberazione dal sistema di valori su cui l’economia della crescita sta clonando da alcune generazioni quote sempre piú ampie della popolazione mondiale. […]

Maurizio Pallante Fondatore e presidente del Movimento per la decrescita felice. Impegnato dal 1985 sulle tematiche ecologiche, in particolare in relazione alle tecnologie che aumentano l’efficienza nell’uso delle risorse, riducendo gli sprechi e l’inquinamento ambientale. Ha pubblicato diversi libri su questi argomenti. È autore anche di libri di divulgazione scientifico-ecologica per bambini. Per Editori Riuniti ha pubblicato: Metamorfosi di bios (2003); Un futuro senza luce? (2004); per le Edizioni per la decrescita felice: Un programma politico per la decrescita, (2008); Decrescita e migrazioni, (2009); La decrescita felice, (2009); Pilli, Silvia e la decrescita felice, (2011).

http://www.editoririuniti.it/libri/sono-io-che-non-capisco.php

1986 Managua, con alcuni professori e alunni della nuova Scuola di Arte Pubblico-Monumentale “David Alfaro Siqueiros”

Sergio Michilini, ASSUNZIONE,1982, dipinto murale sulla cupola di Santa Maria degli Angeli, Lonate Pozzolo (VA)

Quando nel 1982 iniziammo a lavorare al restauro completo dell’interno della Chiesa Santa Maria degli Angeli di Lonate Pozzolo ci trovammo subito di fronte ad una strana incongruenza architettonica: mentre tutte le volte e gli archi dell’edificio erano “a tutto sesto” (o semicircolari), la cupola era a “a sesto ribassato”, cioè fortemente “schiacciata”, e la cosa ovviamente non funzionava.

Pensammo subito che quella cupola doveva contenere un affresco che sfondasse otticamente lo spazio verso il cielo, come era d’uso nella iconografia delle chiese mariane, in particolare dedicate al tema dell’ “Assunzione”, a partire dal Correggio di Parma che, nei primi anni del 1500, realizzò le meravigliose cupole di Parma, per la prima volta usando lo “sfondato” libero e svincolato da partiture architettoniche (eliminando visivamente gli angoli e facendo scomparire la fisicità della struttura muraria), organizzando la composizione in funzione dei vari punti di vista, e risolvendo le deformazioni ottiche con audaci scorci prospettici delle figure (i personaggi, più che dipinti sull’intonaco sembrano librarsi nell’ aria).

Lonate Pozzolo (VA), Chiesa di Santa Maria degli Angeli

Prima ancora di iniziare i restauri, installammo i nostri trabattelli (ponteggi mobili) e, con acrobatiche deambulazioni aeree, realizzammo un sondaggio sistematico su molti punti della superficie della cupola…ma purtroppo, sotto l’intonaco non c’era ssolutamente nessun affresco, niente di niente.

Probabilmente nei primi anni del 1600, quando venne ricostruita la Chiesa di Santa Maria degli Angeli , per qualche motivo i lavori vennero interrotti e l’affresco sulla cupola non venne mai realizzato.

Quindi, nel 1982, iniziando i lavori e per tutto il periodo dei restauri interni della chiesa, il tema centrale divenne sempre quello: che si fa con la cupola?…..visto che la ripulitura generale avrebbe messo ancora più in evidenza quella incongruenza del “sesto ribassato”?

Sergio Michilini, ASSUNZIONE,1982, cupola di Santa Maria degli Angeli, Lonate Pozzolo (VA)

Ne parlammo con il Signor Parroco e praticamente con tutti coloro che interattuavano con noi restauratori …..e ben presto iniziò a prendere forma la mia idea di realizzare un nuovo dipinto murale che, ovviamente, rispettasse la iconografia e la policromia di quel luogo.

Ovviamente non fu facile l’opera di convincimento…mentre il lavoro di restauro avanzava….

Sergio Michilini, 1982, CUPOLA LONATE POZZOLO, bozzetto esecutivo cm.35×33

In quegli anni ormai avevo raggiunto la convinzione assoluta che un “rinascimento” dell’Arte Pubblica, degli Affreschi e delle grandi Pitture Murali integrate all’architettura pubblica e privata e agli spazi sociali a livello urbano, sarebbero stato il cammino appropriato per uscire dalla disastrosa situazione in cui si erano infilate le Belle Arti o Arti Plastiche a partire dagli anni ’60 (imperversava ormai l’incubo del “Sistema dell’Arte Contemporanea”, che negava la Pittura tout court come linguaggio espressivo….vedi il divertente capolavoro Alberto Sordi in visita alla Biennale di Venezia 1978 ).

Sergio Michilini, 1982, PARTICOLARE DELLA PITTURA MURALE DI LONATE POZZOLO cm.23×31

Vari avvenimenti avevano lasciato il segno, in Italia, per questo nuovo cammino, come per esempio:
- La grande mostra del Tiepolo a Villa Manin, in Friuli nel 1971 “realizzata in occasione dei duecento anni dalla morte del pittore e destinata a segnare il punto di svolta nella sua fortuna critica”.
- La prima grande mostra antologica di David Alfaro Siqueiros e il muralismo messicano, dal novembre 1976 al febbraio 1977 in Orsanmichele e a Palazzo Vecchio di Firenze.
- La mostra del più grande affreschista latinoamericano José Clemente Orozco nel 1981 a Palazzo Pubblico di Siena.
- La conclusione dei restauri degli affreschi del Correggio nella cupola del duomo di Parma nel 1980, mantenendo i ponteggi per un mese dopo la fine dei lavori per permettere al pubblico di ammirare da vicino gli affreschi…che è stata una delle più sconvolgenti esperienze visive personali…..ecc. ecc.

Sergio Michilini, 1982, Lonate Pozzolo, dipingendo la cupola della Chiesa S. Maria degli Angeli

Dai primi anni ’70 stavo lavorando, praticamente in modo ininterrotto, alla creazione di grandi opere di Pittura, Scultura e Ceramica in varie Chiese, Fabbriche, Scuole ecc. …e ovviamente la idea di dipingere UNA CUPOLA mi affascinava.

La prima idea per la Pittura Murale di Santa Maria degli Angeli di Lonate Pozzolo, ovviamente, prese avvio dal Correggio della Cupola del Duomo di Parma…e Maria Assunta, nel centro della cupola, è quasi la copia esatta di quel capolavoro.

Ma non volevo semplicemente aprire la cupola al cielo, svincolandomi dall’architettura seicentesca che stavamo restaurando….volevo che ci fosse anche la gente di oggi, le persone normali di tutti i giorni, del 1982, che stessero lì, a partecipare (chi più e chi meno) di quell’evento….. trasformato in “dogma cattolico da papa Pio XII il 1º novembre 1950”…solamente trentadue anni prima!

Sergio Michilini, ASSUNZIONE,1982, cupola di Santa Maria degli Angeli, Lonate Pozzolo (VA)

Mi venne in soccorso il mio caro maestro Francisco Goya degli affreschi di Sant’Antonio de la Florida di Madrid che avevo visto e studiato qualche anno prima.

Lì la cupola è aperta verso il cielo, ma la gente si affaccia in una ringhiera che presuppone una grande terrazza sul tetto della chiesa. Come se l’avvenimento fosse visto attraverso di un gigantesco oblò aperto sul soffitto dell’edificio.

Goya mi ha anche suggerito il susseguirsi di gruppi di figure, come blocchi tematici, lungo la ringhiera, e mi ha anche proposto la idea iniziale di una policromia ridotta al minimo, per rispettare il bellissimo spazio architettonico dell’edificio.

D’altra parte, architettonicamente, il Sant’Antonio de la Florida di Madrid è molto simile a Santa Maria degli Angeli di Lonate Pozzolo…e l’ideale sarebbe stato di dipingere non solo la cupola, ma anche tutti gli altri spazi disponibili (volte, lunette ecc,)…proprio come fece il nostro amato maestro spagnolo…..siamo ancora in tempo…chissà, un miracolo, e l’Italia cambia rotta…. e si rimontano i ponteggi!…..

Sergio Michilini, 1982, Studio per la cupola di LONATE POZZOLO (VA)

Insomma, intanto che proseguivamo i lavori di restauro…le idee mi frullavano in testa….e gli studi e i bozzetti li facevo con la mente…mancandomi il tempo reale per dedicarmi a uno studio approfondito della composizione. Per ripulire le volte e la cupola una impresa di costruzioni ci aveva inalzato un gigantesco ponteggio…e ancora la decisione di dipingere la cupola non arrivava….

Finchè IL MIRACOLO: il Signor Parroco accetta la proposta…. più verbale che grafica (avevo potuto fare solo un piccolo bozzetto esecutivo e qualche studio rapido di qualche figura)….perchè il nostro lavoro di restauro era terminato e l’affitto del ponteggio era pagato per altri 10 giorni.

La condizione era proprio quella: il dipinto murale di 70 metri quadrati della volta doveva essere fatto senza eccedere di un solo giorno rispetto ai 10 stabiliti, dato che l’affitto dei ponteggi era carissimo. Inoltre ci si chiedeva di realizzare l’opera come parte integrante dei restauri, senza ulteriori modifiche del prezzo preventivato….praticamente il dipinto della volta non ha avuto nessun costo addizionale, anzi, i colori vinilici, pennelli e materiali vari sarebbero stati a nostro carico.
Ma l’avventura era troppo affascinante e la emozione era troppa per non accettare queste “piccole” condizioni.

Sergio Michilini, ASSUNZIONE,1982, cupola di Santa Maria degli Angeli, Lonate Pozzolo (VA)

Praticamente sono stati dieci giorni di lavoro ininterrotto, 24 ore al giorno….si dormiva e mangiava sui ponteggi . Dopo aver disegnato la ringhiera e abbozzato i primi gruppi di figure, nei primi due o tre giorni (e notti), ho capito che il tempo era troppo poco…l’emergenza era totale. Ho dovuto chiamare il collega Maurizio Governatori, che è immediatamente arrivato dalle Marche….(eravamo studenti dell’Accademia di Belle Arti a Firenze alla fine degli anni ’60, e tra di noi c’era un ottimo intendimento pittorico e professionale). Con non poche complicazioni da vertigine, Governatori si è installato in cima al ponteggio e, dopo una approfondita analisi e spiegazione dei problemi, del “senso” e dell’insieme del lavoro che stavo facendo, si è messo immediatamente all’opera.

La più grande difficoltà che avevamo di fronte era quella di dipingere figure enormi, a grandezza naturale, senza poter sapere cosa sarebbe poi successo una volta tolti i ponteggi e visto il lavoro nel suo insieme da lontano.

E l’altro inconveniente era di lavorare direttamente sul muro, senza disegni e studi preliminari. Molte figure che abbiamo dipinto erano di amici che si arrampicavano sul ponteggio e si fermavano a posare…altre erano di persone, donne, lavoratori e bambini che vedavamo nell’oratorio lì accanto. Il nostro amico ceramista Tino Sartori, venuto a trovarci in bicicletta, appare anche lui affacciato alla ringhiera…e così via.

Diciamo che è stata una pittura realizzata direttamente, disegnando con i colori sulla superficie della cupola…come i nostri grandi maestri coloristi veneti…Tiziano, Tintoretto ecc.

Lonate Pozzolo (VA) Michilini di fronte alla cupola di Santa Maria degli Angeli

Stavamo ancora dando gli ultimi ritocchi all’opera, quando gli operai della impresa hanno iniziato a smontare il ponteggio…i 10 giorni (e notti) erano finiti.

Da lontano, senza ponteggi, siamo rimasti per ore in silenzio….il dipinto è riuscito molto meglio di quanto ci potessimo immaginare.

Ancora oggi troviamo difficoltà a capire come abbiamo potuto fare quell’opera in soli 10 giorni!…qualche energia sconosciuta ci ha guidati, sicuramente, in quelle 240 ore sospesi nell’aria.

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Continua: Le due “Santa Maria degli Angeli”: Lonate Pozzolo (Italia) e Managua (Nicaragua)

Area visibile dall’ingresso: persone e bambine dell’oratorio Santa Maria

Genitori e bambine sul balcone a ringhiera dell’oratorio

Gente di Lonate Pozzolo e amici

Gruppi di persone della zona

Persone, bambini e amici

Persone e amici

Il ceramista Tino Sartori di San Macario di Samarate, con la bicicletta

Persone, anziana e bambini

Il collega restauratore Prof. Bernardo Carli e amici

persone

Il collega pittore Maurizio Governatori e atrezzi da muratore

Il pittore Maurizio Governatori al cavalletto

Teatro improvvisato

Teatro e teatranti improvvisati

I teatranti, o le apparenze

Autoritratto come teatrante

Bambina in rosso

L’Assunta, ispirata al Correggio di Parma

]]> http://www3.varesenews.it/blog/labottegadelpittore/?feed=rss2&p=12710 1 http://www3.varesenews.it/blog/labottegadelpittore/?p=12692 http://www3.varesenews.it/blog/labottegadelpittore/?p=12692#comments Sun, 02 Jun 2013 22:35:31 +0000 Sergio Michilini http://www3.varesenews.it/blog/labottegadelpittore/?p=12692 Continue reading →]]> Periodo di studio e di riflessione sul COLORE, cercando di “ripulire” la tavolozza per ritornare, nei limiti del possibile, ai colori puri. Pubblico le foto degli ultimi cinque quadri che, proprio per trattarsi di temi sul “COLORE”, sono riuscite piuttosto male….evidentemente sono un pessimo fotografo con una pessimo mezzo fotografico…

ma ho cercato comunque di fare il meglio possibile, e di “correggere” saturazione, contrasti, luminosità e colori fino a raggiungere qualcosa che dia almeno una pallida idea di quello che sono i dipinti che ho realizzato.

Sergio Michilini, GALLO DE PELEA, 2013, olio su tela, cm.42×30

Sono riflessioni sul COLORE che nascono anche dallo stimolo scaturito dallo studio di “COLORE. Tra arte storia e chimica, la bellezza e i misteri del mondo del colore” di Ball Philip

Questo libro mi ha riportato agli anni dell’Accademia a Firenze quando, studente, potevo dedicare tutto il tempo possibile alle considerazioni, approfondimenti e verifiche quotidiane nei musei di fronte ai capolavori della nostra grande Storia dell’Arte italiana ed europea.

Ormai i tempi dei musei, purtroppo, sono lontani. Qua in centroamerica praticamente non esistono, ma in compenso abbiamo una natura travolgente, che permette di vedere e cercare di capire e sperimentare su questi problemi pittorici.

Sergio Michilini, GALLO ENCACHIMBADO, 2013, olio su tela, cm.60×42

I primi due dipinti sono di GALLI da combattimento, galli che protestano, animali che inveiscono forse contro il pessimo attuare di quell’altra specie animale, che sono gli umani.

Poi ho dipinto un TACCHINO, anche lui piuttosto arrabbiato. Qua in Centroamerica il tacchino lo chiamano CHOMPIPE…ma non dappertutto lo chiamano così. In Spagna lo chiamano PAVO, in Messico GUAJOLOTE, in Venezuela e Colombia PISCO e a Cuba GUANAJO….

Sergio Michilini, CHOMPIPE, 2013, olio su tela, cm.42×34

Successivamente ho dipinto due GUARDABARRANCOS, che sono il simbolo nazionale del Nicaragua. Il nome scientifico di questo uccetto tropicale dovrebbe essere “Eumomota superciliosa”. Viaggiano sempre in coppia e hanno dei colori che sono una meraviglia della natura. Uno dei recenti gruppi musicali più interessanti della “Nueva Cancion” nicaraguense si chiama propriamente “Dúo Guardabarranco” formato dai fratelli Katia y Salvador Cardenal .

Sergio Michilini, GUARDABARRANCOS, 2013, olio su tela, cm.60×42

L’ultimo dipinto che presento è sempre di due GUARDABARRANCOS nella foresta, e nella parte inferiore ci sono dei fiori di SACUANJOCHE (nome scientifico Plumeria o Plumaria), tipici del Centroamerica e Caraibi, e dichiarati fiori nazionali del Nicaragua ….”El jueves 26 de agosto de 1971, siendo Presidente de la República el dictador General Anastasio Somoza Debayle, fue publicado en La Gaceta, Diario Oficial No. 193, el Decreto Legislativo No. 1890 que declaró al sacuanjoche como Flor Nacional de Nicaragua”…che è come dire che anche i dittatori forse hanno un’anima…chissà.

Sergio Michilini, GUARDABARRANCOS Y SACUANJOCHES, 2013, olio su tela, cm.60×42

Don Ireneo continuava imperterrito sulla sua strada che, in un certo senso, rafforzava anche la mia sul piano pittorico e artistico. Oggi, a posteriori, guardando l’Annunciazione, e poi la Crocifissione e infine la Via Crucis nella Chiesa di Oggiona, risulta evidente la testimonianza di quella “resistenza” alla mutazione genetica della società, della cultura e dell’arte italiana in corso in quel decennio.

Pier Paolo Pasolini  è stato sicuramente l’italiano che meglio è riuscito a percepire e a scrivere di questa drammatica alterazione, consumata definitivamente nei due o tre decenni successivi.

Tante cose sono successe negli anni ’70:… è finita la magia del decennio precedente, i paradigmi tradizionali della cultura, dell’arte e della convivenza sociale hanno subito una metamorfosi irreversibile….sono cadute le illusioni e le maschere…e le facce dei protagonisti del potere sono emerse con tutta la loro crudeltà.

Quello che è successo alle Belle Arti o Arti Plastiche “ufficiali” non è che il riflesso di quello che è successo nella realtà…..Come esempio suggeriamo di visionare il capolavoro di Alberto Sordi e Anna Longhi nel Film “Dove vai in vacanza?”, dove si rappresenta perfettamente il DISASTRO della Biennale di Venezia 1978 ( http://www.youtube.com/watch?v=OfsJAgaY62E )

Nel 1973 muore Salvador Allende…. e nel 1978 muoiono Aldo Moro e Papa Luciani (Giovanni Paolo I). In Italia gli anni ’70 passeranno tristemente alla storia per la strategia della tensione, per il terrorismo di stato, per gli anni di piombo .

Nel 1975 finisce la tragica Guerra del Vietnam con la sconfitta degli Stati Uniti d’America….e contemporaneamente, o subito dopo, la egemonia sull’Italia, da sovranità limitata passa ad essere di sovranità negata….

Michilini, CROCIFISSO, 1976, bozzetto per la scultura nella chiesa Parrocchiale di Oggiona, cm.38×27

Ma nella metamorfosi degli anni ’70 c’è anche la “resistenza” della gioventù e di popoli interi…… e, nel microcosmo del nostro angolino del varesotto… di persone singole “di una volta”come il parroco di Don Ireneo Scaltritti e il sottoscritto che, in un certo senso “insieme”, realizzano prima la Crocifissione e poi la Via Crucis per la Chiesa di Oggiona.

E siccome i preziosi affreschi ritrovati dovevano essere il centro ispiratore di tutta la ristrutturazione interna della chiesa, ovviamente queste due opere dovevano essere fatte “su misura” per questa concettualità estetica di Integrazione Plastica tra la architettura, la pittura e la scultura.

Michilini, CROCIFISSO, 1976, bozzetto per la scultura nella Chiesa Parrocchiale di Oggiona, cm.50×35

E dove siamo andati a scovare questa ispirazione? Non certo nelle misere e “povere” proposte dell’arte ufficiale, che ormai, pian piano, stava assumendo il nome di “Arte Contemporanea”…..

Non potevamo neanche ritornare solamente ai cari Wiligelmo, Benedetto Antelami  e scultori romanici che hanno suggerito la Crocifissione di Oggiona……

Era necessario vedere anche le proposte di altri artisti “resistenti”….e come spesso succede, le coincidenze non sono casuali: uno degli eventi artistici più rilevanti e più incompresi degli anni ’70 in Italia è stata la grande mostra di David Alfaro Siqueiros a Firenze, curata da Mario De Micheli.

Dal 10 novembre 1976 al 15 febbraio 1977 in Orsanmichele e a Palazzo Vecchio di Firenze è stata presentata la grande mostra antologica promossa dalla Regione Toscana e dal Museo d’arte moderna di Città del Messico: David Alfaro Siqueiros e il muralismo messicano. In questa mostra si parlava di ARTE PUBBLICA, di INTEGRAZIONE PLASTICA, di POLIANGOLARITA’, di MURALISMO CINEMATOGRAFICO, di NUOVI MATERIALI E TECNICHE DELLA INDUSTRIA MODERNA…..questa mostra riportava in Italia le intuizioni, le sperimentazioni e i risultati degli studi realizzati a partire dal 1920 da Diego Rivera e David Alfaro Siqueiros nella nostra penisola, di fronte a Giotto, Masaccio e Piero della Francesca, di fronte ad Andrea Pozzo a Roma e di fronte ai quadraturisti emiliani del ’700.

Michilini, VIA CRUCIS,1977, terracotta colorata, Chiesa di Oggiona (VA)

Fu una mostra che non incise per nulla nell’arte ufficiale egemone…..ormai l’Arte di Stato nordamericana, a partire dall’Espressionismo Astratto, era penetrata profondamente nel tessuto artistico e culturale italiano. Il processo di “chiusura” nei confronti delle avanguardie reali lo si intuisce abbastanza bene rivisitando la storia delle Biennali di Venezia a partire dal dopoguerra.

Nel 1948 fu premiato Braque e nella straordinaria edizione del 1950 Matisse, con un grandioso successo delle mostre su Fauves, Cubismo, Futurismo e Blaue Reiter….insieme alla “rivelazione”: la stupefacente pittura del Padiglione Messicano, che presentava Jose Clemente Orozco, Diego Riviera, David Alfaro Siqueiros e Rufino Tamayo. Poi nel 1952 venne il Divisionismo italiano, il Puntillismo francese e Toulouse-Lautrec…..ma anche, nel Padiglione Nordamericano l’action painting dell’alunno di David Alfaro Siqueiros, Jackson Pollock…..nel 1954 il Surrealismo…e infine la metamorfosi: dal 1958 al 1968 sotto la direzione di Gian Alberto Dell’Acqua la Biennale contribuì significativamente e quasi esclusivamente alla diffusione della cosidetta “Arte Contemporanea” in Italia.

Michilini, CROCIFISSO,1976, terracotta colorata e ferro battuto, Chiesa Péarrocchiale di Oggiona (VA)

Praticamente a poco o a nulla valsero, nè la Biennale del 1950, nè la grande mostra di Siqueiros a Firenze nel 1977, nè quella poi di José Clemente Orozco nel 1981 a Palazzo Pubblico di Siena, curata sempre dal nostro ricordato Mario De Micheli. Le preoccupazioni dei pittori italiani rimanevano chiuse nella finestra visiva albertiana, con lo spettatore fisso e immobile nel centro della immagine…..”dalla superficie della tela in dentro” come diceva Siqueiros…salvo poi dichiarare che “la Pittura è morta…perchè in Pittura tutto è già stato fatto”.

Niente che desse adito a riflessioni “dalla superficie in fuori”, verso la gente, verso il movimento libero dello spettatore nello spazio, le deformazioni ottiche, l’architettura, lo spazio urbano….e conseguenti riflessioni sulla forma, sul colore, sulle tecniche, i materiali e i contenuti, e addirittura sugli stili e metodi di lavoro…..sulla partecipazione dei fruitori e, infine, sulla democratizzazione dell’arte e del mestiere di dipingere.

Michilini, particolare del CROCIFISSO, 1976, terracotta colorata e ferro battuto, Chiesa Péarrocchiale di Oggiona (VA)

Tutte queste riflessioni erano anche le nostre negli anni ’70 quando, stimolati da questi eventi, iniziammo a ri-studiare la Soria dell’Arte italiana con una visione differente, quella dell’Arte Pubblica, che è stata sempre la principale forma d’espressione e quella che ha caratterizzato il nostro tortuoso cammino come nazione.

Anche di questo si parlava con Don Ireneo Scaltritti a Oggiona, che si entusiasmava ed appassionava sempre di più. Le piccole formelle della Via Crucis, i cui materiali e costi di cottura sono stati finanziati, ciascuna, da una famiglia oggionese, avevano questa intenzione sperimentale fondamentale: immaginare lo spettatore occupando uno spazio differente dal centro visivo della immagine…dall’alto, dal basso, di lato ecc. in modo da rendere estremamente espressiva la scena della singola stazione rappresentata.

Continuando nel cammino della scultura romanica, degli inizi dell’arte moderna italiana, della sintesi e della semplificazione estrema della immagine…..come ritorno alle origini del nostro linguaggio figurativo comune.

Il risultato è questa Via Crucis di Oggiona che, credo, sia stata una delle esperienze più audaci della mia carriera….un lavoro totalmente “libero”, realizzato grazie alla disponibilità, amore per la nostra Storia dell’Arte, autonomia di pensiero e visione di futuro del caro Don Ireneo Scaltritti.

Michilini, VIA CRUCIS, 1977, terracotta colorata, Chiesa di Oggiona (VA)

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Michilini, 1977, CONDANNATO A MORTE, Stazione n.1, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, CONDANNATO A MORTE, Stazione n.1, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, CARICATO DELLA CROCE, Stazione n.2, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, CARICATO DELLA CROCE, Stazione n.2, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, CADE PER LA PRIMA VOLTA SOTTO LA CROCE, Stazione n.3, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, CADE PER LA PRIMA VOLTA SOTTO LA CROCE, Stazione n.3, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, INCONTRA LA SUA MADRE, Stazione n.4, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, INCONTRA LA SUA MADRE, Stazione n.4, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, AIUTATO DAL CIRENEO, Stazione n.5, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, AIUTATO DAL CIRENEO, Stazione n.5, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, LA VERONICA ASCIUGA IL VOLTO DI GESU, Stazione n.6, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, LA VERONICA ASCIUGA IL VOLTO DI GESU, Stazione n.6, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, CADE LA SECONDA VOLTA, Stazione n.7, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, CADE LA SECONDA VOLTA, Stazione n.7, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, INCONTRA LE PIE DONNE, Stazione n.8, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, INCONTRA LE PIE DONNE, Stazione n.8, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, CADE PER LA TERZA VOLTA, Stazione n.9, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, CADE PER LA TERZA VOLTA, Stazione n.9, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, SPOGLIATO E ABBEVERATO DI FIELE, Stazione n.10, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, SPOGLIATO E ABBEVERATO DI FIELE, Stazione n.10, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, INCHIODATO ALLA CROCE, Stazione n.11, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, INCHIODATO ALLA CROCE, Stazione n.11, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, MUORE SULLA CROCE, Stazione n.12, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, MUORE SULLA CROCE, Stazione n.12, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, DEPOSTO DALLA CROCE, Stazione n.13, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, DEPOSTO DALLA CROCE, Stazione n.13, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, DEPOSTO NEL SEPOLCRO, Stazione n.14, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Michilini, 1977, DEPOSTO NEL SEPOLCRO, Stazione n.14, Via Crucis, Chiesa Parrocchiale di Oggiona-VARESE, cm.25×20

Chiesa Parrocchiale di Santa Maria Annunciata al Castello di Oggiona, Varese, Italia

Il pannello di ceramica dell’Annunciazione doveva essere l’inizio di un progetto di rifacimento totale della facciata… su di una linea architettonico/decorativa ispirata ai grandi rivestimenti ceramici e musivi, dai Della Robbia fino a Gaudì a Barcellona….insomma, approfittare della sua visibilità per creare una opera di Integrazione Plastica di grande richiamo e bellezza per tutto il territorio

Sergio Michilini,ANNUNCIAZIONE, 1971, altorilievo in ceramica sulla facciata della Chiesa Santa Maria Annunciata al Castello di Oggiona, cm.310×250

Vivevamo un periodo molto positivo e in Italia l’ottimismo era diffuso: dopo la Liberazione  e la stesura di una delle più belle Costituzioni del mondo, dopo il Concilio ecumenico Vaticano II  e il “Papa buono” Giovanni XXIII con una nuova visione della spiritualità e la “opzione preferenziale per i poveri“, dopo il Boom economico e il Sessantotto (che portò una ventata di rinnovamento nei Diritti Umani, Giustizia e Pace, e critica per uno “Sviluppo” artificiale basato sul consumismo e l’alienazione), non si poteva che guardare al futuro con fiducia ed entusiasmo….. c’era voglia di partecipare e di fare la Storia.

Sergio Michilini,ANNUNCIAZIONE, 1971, altorilievo in ceramica sulla facciata della Chiesa Santa Maria Annunciata al Castello di Oggiona, cm.310×250

Sulla facciata della chiesa di Oggiona, alla fine, riuscimmo a completare solamente il pannello della Annunciazione….e ciononostante credo che in questo pannello ci sia tutta la freschezza, la speranza e la spiritualità che si viveva agli inizi degli anni 70.

Ero studente del secondo anno nell’Accademia di Belle Arti di Firenze quando Don Ireneo Scaltritti mi ha offerto questa prima importante opportunità, aprendomi le porte del lavoro creativo “grande”, in tutti i sensi: tecnico, formale e concettuale.

E’ stata una sfida che ho affrontato con decisione ma anche con paura: era il periodo delle vacanze estive e il caldo/secco metteva a rischio l’esecuzione del modellato di un pannello di argilla di tali dimensioni. Con orgoglio posso dire che non si è rotta nemmeno una delle 107 formelle che compongono il pannello, nè in fase di modellato nè durante la cottura, che è stata realizzata ad Alta Temperatura nella fabbrica di ceramica artistica di Carnago.

Sergio Michilini,ANNUNCIAZIONE, 1971, altorilievo in ceramica sulla facciata della Chiesa Santa Maria Annunciata al Castello di Oggiona, cm.310×250, PARTICOLARE

La tecnica della ceramica pre-modellato è quella stessa della Bottega dei Della Robbia  che ho appreso lavorando a Firenze nello studio del Maestro ceramista Arnaldo Miniati.

All’audacia tecnica fa riscontro una certa “timidezza” nel disegno e composizione della “Annunciazione” …è stata una soluzione molto meditata, sia per la soavità e il mistero del tema, sia per rispettare la spiritualità di quel luogo sacro, sia per non “appesantire” la facciata che doveva essere poi completamente ricoperta di mosaici e ceramiche……e poi, era il primo mio grande lavoro, e ho pensato che non era il caso di affrontarlo in modo arrogante, alla maniera “avanguardistica”. In questo lavoro, parallelamente agli studi all’Accademia, pensavo che non era utile continuare a “rompere” con il passato e, al contrario, si sentiva la necessità di ritornare alla nostra grande Storia dell’Arte, a partire dalla Pittura veneta di Bellini, Giorgione, Tiziano, Veronese…..

Sergio Michilini,ANNUNCIAZIONE, 1971, altorilievo in ceramica sulla facciata della Chiesa Santa Maria Annunciata al Castello di Oggiona, cm.310×250, PARTICOLARE

E come perfetta coincidenza, proprio nello stesso 1971 si è aperta la grande mostra del Tiepolo a Villa Manin, in Friuli  “realizzata in occasione dei duecento anni dalla morte del pittore e destinata a segnare il punto di svolta nella sua fortuna critica”.

Proprio dalla visita a quella straordinaria ed emozionante mostra è nata la prima idea per il pannello di Oggiona…..mi ha ispirato una composizione semplice, aérea e luminosa….e anche se quella veneta è una Pittura fondamentalemente di COLORE, io ho subito pensato di non usarne affatto, e invece di fare un pannello totalmente bianco, per permettere alla luce naturale, nei vari momenti del giorno, di giocare con i rilievi e le linee del pannello….ed effettivamente trovo sempre affascinante vedere il pannello vivere nella variante luce dei giorni e delle stagioni!

Sergio Michilini,ANNUNCIAZIONE, BOZZETTO IN SCALA NATURALE, 1971, Chiesa Santa Maria Annunciata al Castello di Oggiona, cm.310×250

Volevo fare un pannello discreto, silenzioso, che vivesse nel trascorrere del tempo, fresco e leggero e, alla fine ne è uscito un lavoro volutamente “incompiuto”…..il modellato dell’altorilievo si è fermato nella sua fase iniziale…in alcuni casi, come il panneggio dell’Angelo Annunciante, il lavoro si è fermato alle tracce del disegno previo al modellato…. E’ tutto come un grande abbozzo non terminato……mi ricordo perfettamente quel giorno, quando decisi che qualsiasi insistenza avrebbe rovinato la magia di quel lavoro in fase di elaborazione…o, come si dice oggi alla moda (che fa più effetto) : la magia di quel “work in progress”…. (hanno sicuramente influito, in quella decisine, le emozioni quotidiane dei “Prigioni” di Michelangelo, che vivevano con noi studenti, nella stanza accanto della nostra Accademia di Belle Arti di Firenze). E’ quindi una opera “incompiuta”…..come permanentemente in auto-elaborazione: una “Annunciazione” continuamente in costruzione…..

Chi avrebbe mai immaginato, a quel tempo, che le cose, in Italia, avrebbero poi avuto un corso assurdo, al rovescio….riducendo, anno dopo anno, Diritti, Libertà, Serenità, Felicità e Bellezza.
Ma l’Annunciazione, dopo quasi mezzo secolo, continua lì, perfettamente conservata…..annunciando un mondo nuovo per tutta la umanità.

Sergio Michilini,ANNUNCIAZIONE, 1971, altorilievo in ceramica sulla facciata della Chiesa Santa Maria Annunciata al Castello di Oggiona, cm.310×250, PARTICOLARE

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Sergio Michilini, RITRATTO DI DON IRENEO SCALTRITTI, Parroco di Oggiona, 1971, proprietà della Parrocchia di Oggiona, Varese

La cosa risulta piuttosto interessante, perchè in questi ultimi tempi stanno suscitando una certa attenzione i miei lavori realizzati alla fine degli anni ’70 e inizi ’80, periodo che io ho archiviato con la definizione “LA GRANDE CRISI“.

In quel tempo pensavo di esagerare un poco il “sentire” generale, e dipingevo immagini che testimoniassero quello che, si pensava, fosse un momento di passaggio e superamento di certi paradigmi apocalittici, come nel caso del “PELLEGRINAGGIO NUCLEARE” .

Chi si sarebbe immaginato, invece, che stavamo all’inizio del tunnel…di una epoca di paure, di guerre, di muri, di menzogne, di incomprensioni e di illegalità diffuse, a partire da quelle istituzionali e internazionali.

Sergio Michilini, PELLEGRINAGGIO NUCLEARE, 1980, tecnica mista su tela, cm86x71

Ovviamente sono lusingato dal riconoscimento implicito del mio lavoro e delle mie ricerche, non da parte del mondo dell’arte, che ormai si è perso nelle meschinità del cosidetto “Sistema dell’Arte Contemporanea” , ma da quello più qualificato del mondo accademico, universitario, scientifico e della lotte per la giustizia e la pace, per la Madre Terra e la salvezza della umanità, dell’Europa, America Latina e Nordamerica.

Sono pertanto particolarmente felice di iniziare questa collaborazione anche con la editoriale Pensa MultiMedia di Lecce (caratterizzata da un’ Alta qualità accademico-scientifica, distinguendosi per rigore, affidabilità e cura editoriale) …. che rientra perfettamente nel nostro cammino del sud, che è il cammino del futuro…. come dicono in America Latina:  “NUESTRO NORTE ES EL SUR” (Il nostro nord è il sud)

© Pensa MultiMedia s.r.l. Via A.M. Caprioli, 8 – 73100 Lecce

www.pensamultimedia.it

Sergio Michilini, TROPPO TARDI, 1980, disegno su carta, cm.50×35

Sergio Michilini, PELLEGRINAGGIO NUCLEARE,1980, disegno su carta, cm.50×35

Sergio Michilini, NUCLEARE E’ BELLO, 1980, disegno su carta, cm.50×35

Sergio Michilini, FUSIONE, 1980, disegno su carta, cm.68×47

Sergio Michilini, FUSIONE TERMONUCLEARE, 1980, disegno su carta, cm.50×35

Si tratta di un singolare evento di Arte Pubblica, utile a riscaldare le menti, i cuori e i palati dei nostri vicini mitteleuropei, con due elementi tipicamente italiani: la torrefazione del caffè e la pittura murale.
Italianissimo è l’amico Alfio, artista ideatore e gestore del Bar/Torrefazione ambulante CAFEAT8.
E italianissimo il sottoscritto pittore e autore della pittura murale le cui illustrazioni abbelliscono il CAFEAT8 ambulante.

(Detto in termini mericani, che fa più effetto, si tratta di un vero e proprio Happening of art in process of site-specific!)

In giro per Bruxelles chissà, magari può succedere che con una buona tazzulella ‘e caffè
qualche funzionario della Unione Europea che passeggia da quelle parti possa anche meditare serenamente sul disastro che ha fatto.

E già che siamo in tema, come non ricordare Fabrizio De André con la sua tazzulella ‘e cafè di Don Raffaè:  http://www.youtube.com/watch?v=aqVnV5f_ik4

AUGURI allora per l’attività dell’amico Alfio, che ha saputo unire l’arte del Caffè con l’arte della Pittura in questa bella storia nelle piazze del mondo.

http://www.cafeat8.com

Video http://www.youtube.com/watch?v=-Yktw-UatFs&feature=player_embedded

“Cafeat8 is a small ON THE ROAD coffee roaster”

“It was a long jorney to arrive here.
But in the end, here I am with my Idea of offering fresh roasted coffee.
Some people say that it is a good idea, some people think that it is really a stupid idea.
Anyway you can find coffee in supermarket, in shops all with nice packaging all with a anonymus producer behind.
What I am offering it is a coffee tailored for you, roasted for you, fresh ………. .
Ok let’s see
Alfio”

Michilini, 1988, La storia del caffè, pittura murale mobile, Centro Commerciale Laghi, Gallarate, cm.1024×768

Andiamo a vederci un caffè a Gallarate http://www3.varesenews.it/blog/labottegadelpittore/?p=2735

Michilini, 1988, La storia del caffè, pittura murale mobile, Centro Commerciale Laghi, Gallarate, cm.1024×768

Michilini, 1988, La storia del caffè, pittura murale mobile, Centro Commerciale Laghi, Gallarate, cm.1024×768

Utilissimo per un Pittore e indispensabile per gli studenti d’Arte, ma anche per gli Architetti, Urbanisti, disegnatori industriali, della moda e per tutti, perchè tutti viviamo con e nel colore.
Ball Philip è uno scienziato freelance inglese. Come chimico e fisico, il suo approccio al mondo dell’Arte è quello di un innamorato della Pittura e della vita….partendo dal suo speciale punto di vista di scientifico appassionato ci racconta la Pittura e i Pittori molto meglio di tanti scritti della critica e della Storia dell’Arte (“ho capito Rothko più con questa lettura che con tanti testi critici…” scrive il collega Gianfranco Tognarelli)

Chiaramente ci sono pagine abbastanza “noiose”, con tanti termini fisico-chimici comunque difficili da assimilare, nonostante gli evidenti sforzi di Ball per semplificare il linguaggio e renderlo “popolare”. Ma poi, di tanto in tanto, ci sono pagine memorabili, emozionanti, poderose, dove si svelano i misteri e si illumina la storia della BELLEZZA.

Questa ricerca delle verità delle cose, a partire da ragioni scientifiche arriva inevitabilmente a improvvise sintesi e smitizzazioni, come quelle sulla Bauhaus o su tutta l’Arte ufficiale del dopoguerra, negli Stati Uniti d’America.

The Bauhaus Masters in 1926, left to right: Josef Albers, Hinnerk Scheper, Georg Muche, László Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Joost Schmidt, Walter Gropius, Marcel Breuer, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stölzl, Oskar Schlemmer. Bauhaus-Archiv Berlin / Musée National d’Art Moderne / Centre Pompidou

La “scientificità” sul COLORE, uno dei temi principali della Bauhaus, crolla: “In effetti, sembra chiaro che nè Klee, nè Kandinskij, nè Itten avessero una conoscenza profonda delle teorie scientifiche contemporanee sul colore”…“Non esiste alcuna prova reale che al Bauhaus si possedesse qualche conoscenza delle basi chimiche del colore. Per esempio Elementi di Colore di Itten è un testo molto interessante, ma non contiene alcunchè di significativo sui pigmenti, la materia stessa dei colori”…..

Sulla storia ufficiale dell’Arte del dopoguerra, negli Stati Uniti d’America, la cosa si fa ancora più interessante e le perplessità che si leggono tra le righe, non trovano risposte e alla fine il tema centrale del “colore” rimane nell’aria.

Purtroppo Ball Philip ha preso in considerazione solamente la storia “ufficiale” degli avvenimenti del sec.XX nel continente americano e, in questo modo, quasi tutto risulta “incomprensibile”….

L’architetto-pittore Juan O’Gorman al lavoro

Scrive Mario De Micheli (La fuga degli dei, Ed.Vangelista 1989):”L’informazione è stata in gran parte unilaterale….si è posto l’accento sui pittori dell’ultima generazione artistica, quella che è andata affermandosi nel dopoguerra, trascurando invece – o non tenendone affatto conto – salvo che in qualche rara occasione, la vicenda precedente, tutta l’esperienza ad esempio del periodo che va dal ’30 al ’45, a cui in letteratura corrispondono i romanzi di Dos Passos, Caldwell, Faulkner, Steinbeck.

La conoscenza della pittura americana, in altre parole, si è concentrata quasi esclusivamente sugli artisti che hanno dato vita all’espressionismo astratto della cosidetta “pittura d’azione” o “pittura di gesto”, su Pollock, Kline, De Kooning, Gorky, Rothko, o sugli artisti venuti dopo…..eppure non c’è dubbio che il fenomeno più vasto e profondo dell’arte americana è proprio legato alle esperienze degli anni Trenta, gli anni del New Deal, ossia del nuovo corso avviato da Roosevelt, quando si è sviluppata una corrente di ispirazione sociale, in cui si cercava di testimoniare gli aspetti più duri della drammatica crisi economica. E’ stato un periodo per molti aspetti straordinario e ricco, proprio per ciò che riguarda la creatività degli artisti, degli scrittori, della critica”.

In effetti dai primi decenni del secolo XX il continente americano a livello artistico era in ebollizione, e se non fosse per l’eurocentrismo radicale esistente ancora oggi, tanti fenomeni europei-nordamericani potrebbero essere ridimensionati e altri nordamericani e latinoamericani diventerebbero estremamente significativi per una corretta lettura della Storia dell’Arte Occidentale.

David Alfaro Siqueiros, Mexico City, 1948

Quella “ispirazione sociale” a cui accennava De Micheli, ha significato spesso anche presa di coscienza del ruolo professionale dell’Artista rispetto alla società e al Progetto di società che si pretendeva costruire. Per esempio, la battaglia interrotta di Gropius nel Bauhaus per la integrazione delle arti (Pittura, Scultura, Architettura, Artigianato) ha ripreso potentemente significato nel Messico post-rivoluzionario, con artisti come l’ex-cubista Diego Rivera, come l’architetto-pittore Juan O’Gorman, come l’affreschista José Clemente Orozco ecc.

E parlando di tecnica e chimica dei materiali, come si possono dimenticare le ricerche del pittore e scrittore Gerardo Murillo (il leggendario Dr. Atl) che, all’inizio del secolo tra l’altro inventò gli “Atl-Color” per poter dipingere su carta, tela, muro e roccia.

E anche se praticamente tutti i grandi pittori del Messico post-rivoluzionario hanno posto l’attenzione sulle tecniche e sui materiali per gli immensi dipinti murali che realizzavano sugli edifici pubblici e privati, certamente il più grande studioso e sperimentatore di nuove tecniche e colori della industria moderna è stato David Alfaro Siqueiros, di cui si sono inventariati quasi 400 scritti teorici su questi argomenti.

David Alfaro Siqueiros già nei primi anni ’20 dipinse all’encausto su muro in Messico; nel 1923 dipinse vari murali a Los Angeles-California sperimentando l’affresco su intonaco di cemento; poi nel 1933 a Buenos Aires-Argentina sperimentò per la prima volta, insieme a Lino Enea Spilimbergo, Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino la pittura al Silicato e la Pirosselina….fu il primo pittore a usare la pistola meccanica (aerografo) e a sperimentare la Pittura alla Vinelita; nel 1944 fondò il “Taller de Ensayo de Pintura y Materiales Plásticos” nell’Instituto Politécnico Nacional di Città del Messico insieme al chimico José Gutiérrez…da dove nacque la fabbrica di colori acrilici “Politec”, che furono usati praticamente da tutti i pittori muralisti del continente americano per tutto il sec.XX.

Come è possibile che Ball Philip si sia “dimenticato” tutto questo capitolo…senza la cui conoscenza difficilmente si può capire ciò che poi succede nel dopoguerra, come durissima reazione a questa specie di “Rinascimento Continentale Americano”.

George Cox, David Alfaro Siqueiros, and Jackson Pollock in New York, 1936

Quando David Alfaro Siqueiros fu frainteso e Jackson Pollock fu usato…

Nel 1936 David Alfaro Siqueiros fondò, nella città di New York, nel cuore di Manhattan, il “Siqueiros Experimental Workshop”, un laboratorio di tecniche moderne dell’arte.
Tra i vari alunni del Taller c’era anche Jackson Pollock, che allora aveva 24 anni.

Il Maestro Siqueiros sperimentava allora l’utilizzo dell’aerografo, delle nuove pitture sintetiche industriali, dei diluenti, con macchie, sgocciolature ecc. ecc. CON LO SCOPO SCIENTIFICO DI VERIFICARNE LE QUALITA’ DI RESISTENZA, COMPATIBILITA’, EFFETTI CONTROLLABILI E CASUALI (definì alcune azioni come “Accidenti Controllati“) ecc. OVVIAMENTE PENSANDO DI MIGLIORARE LE TECNICHE DELL’ARTE PUBBLICA E SOCIALE A LIVELLO ARCHITETTONICO E URBANO .

Evidentemente queste sue sperimentazioni chimico-fisiche COME MEZZO per i grandi dipinti murali, per il “muralismo cinematografico” per la “poliangolarità” e la “Integrazione Plastica”….. furono male interpretate…. e recepite da Jackson Pollock COME FINE ESPRESSIVO…..e da lì venne fuori l’action painting e il dripping…..

Appena finita la Seconda Guerra Mondiale…BUM…nasce per incanto l’Espressionismo Astratto, “primo movimento pittorico originale degli Stati Uniti, in un momento nel quale il centro del mondo dell’Arte passò da Parigi a New York……i direttivi del MoMA si proposero il compito di mostrare al mondo che gli statunitensi non solo avevano vinto la guerra con le armi, ma che negli Stati Uniti si produceva l’Arte più rappresentativa di quei tempi. Per tale scopo promossero un gruppo di artisti avanguardisti: gli Espressionisti Astratti. Un gruppo di giovani pittori che, anche se si conoscevano, erano tra di loro indipendenti, ciascuno concentrato nella sua propria esperienza estetica. Durante gli anni ’30 erano poveri e bohémien. Vari vivevano nella bassa Manhattan e divennero beneficiari dei fondi del PROGETTO FEDERALE D’ARTE”
(Traduzione da: http://www.jornada.unam.mx/2012/01/06/cultura/a02n1cul )

Peggy Guggenheim fu la loro mecenate e durante il 1950 Pollock ricevette appoggio del CONGRESSO per la Libertà Culturale…..Praticamente dall’Espressionismo Astratto in avanti , negli Stati Uniti d’America nacque una specie di Arte Ufficiale, a tutti gli effetti un’ “Arte di Stato” (altro che “avanguardia” e cosette di questo tipo!)

Imagen del taller de Siqueiros en Nueva York, donde aparece el muralista mexicano sentado en el piso, rodeado por sus alumnos, entre ellos Pollock, el tercero de izquierda a derecha

Che casualità, come descrive Ball Philip nel suo peraltro bellissimo libro, che i Pittori nordamericani da allora “portassero agli estremi …frammenti dell’insieme…un minimalismo angosciato e autodistruttivo….nella totale ignoranza, o indifferenza, per i requisiti fondamentali di durevolezza dell’opera”……mentre i progetti di conoscenza delle tecniche e della chimica dei materiali, di unità, di “fusione”, e di integrazione delle Arti, di Walter Gropius e di David Alfaro Siqueiros furono silurati e colarono a picco.

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Con tale quantità e qualità di strumenti e materiali a disposizione dell’Architettura, della Pittura e della Scultura dovremmo oggi avere opere d’Arte splendide e sublimi , e le nostre nuove città dovrebbero aver raggiunto livelli di BELLEZZA mai visti prima, dovrebbero essere delle vere e immense opere d’ARTE per la FELICITA’ del vivere sociale.

E invece le città sono BRUTTE e le opere d’Arte chiamate “Contemporanee” lo stesso, o peggio. Mai come oggi si avvera il famoso detto nicaraguense “Dios da pan a quien no tiene dientes” (Dio da il pane a chi non ha denti).

Nel caso del COLORE è bellissimo percorrere le pagine del libro “COLORE, Una biografia” di Philip Ball per conoscere quanto sono stati importanti i materiali che lo compongono, non solo per la Pittura, per l’Arte in generale e per i Tessuti, ma anche per la Medicina e per lo sviluppo della Chimica tout court.

International Klein Blue

Per esempio l’AZZURRO…la intricata e controversiale storia del colore AZZURRO è affascinante, e come ce la descrive Philip Ball, chimico inglese, appassionato amante della Pittura, è una continua emozione da far accapponare la pelle :”Si prova un certo rammarico nel vedere l’oltremare, l’indiscusso re dei pigmenti del Medioevo, ridotto nel XX secolo a livello di un qualsiasi blu bell’e pronto. E’ un destino comune per i materiali artistici: da prodotti d’importazione esotici e pregiati, con tutto il mistero delle spezie rare o dell’incenso, ad articoli di largo consumo a buon mercato. Ma si tratta forse di un atteggiamento eccessivo, dato che l’arte ha senz’altro tratto beneficio dall’incredibile ampliamento della tavolozza. E questo corso è continuato nel XX secolo con l’introduzione di altre sfumature di blu.”

Monet, Ninfee

Ma non è solo la impressionante espansione della gamma dei colori ciò che caratterizza la nostra epoca ..per i Pittori si sono aperti orizzonti incredibili con le nuove scoperte tecniche e scientifiche, come per esempio è successo con l’invenzione dei banali TUBETTI DI STAGNO :”Un’altra importante innovazione nelle forniture di colori fu il tubetto di metallo morbido, inventato nel 1841 da un ritrattista americano di nome John Rand: i tubetti di stagno sostituirono i pacchetti di vescica di maiale, in cui fino ad allora venivano conservati i colori ad olio, evitando che questi seccassero troppo velocemente nella loro confezione. Questa novità si dimostrò importante soprattutto per gli Impressionisti che amavano dipingere all’aperto; Renoir osservò che “senza i tubetti di colore non ci sarebbero stati Cézanne, Monet, Sisley o Pissarro, niente di ciò che i giornalisti avrebbero chiamato Impressionismo”…e probabilmente neppure Renoir”.

Cézanne, Natura morta con cesta (1888-1890)

L’amore per i materiali, le tecniche, gli strumenti, le innovazioni scientifiche, le metodologie….avrebbero potuto sviluppare il linguaggio della PITTURA a livelli di perfezione mai raggiunti.

Ma negli anni ’60 del secolo scorso qualcuno decise che la Pittura era un Linguaggio “obsoleto”…”morto”….

Come Pittore operante permanentemente “in direzione ostinata e contraria” consiglio caldamente la lettura e lo studio di questo bellissimo testo scientifico: “COLORE, Una biografia” di Philip Ball

Michilini, EVA E LA FENICE, 2008, olio e collage su tela

En lo personal se trata de simplificar el manejo de los colores para lograr más luminosidad, tomando muy en cuenta los productos disponibles, en la pintura al oleo profesional, de la industria moderna.

Michilini, FRUTOS DE CACAO, 2013, oleo sobre tela, cm.30×42

La cosa es bastante complicada pues no se puede ser tan dogmaticos con referencia al “color”…..como decía la pintora Bridget Louise Riley (una de las principales representantes de la “Op art”):…”propiamente porque no existe un principio guía, ni una solida base conceptual sobre la que se pueda fundar una tradición de la pintura de colores, esto significa que cada sensibilidad artística individual tiene la posibilidad de descubrir un medio de expresión original”.

Michilini, IL GALLO SUL PALCO (EL GALLO EN EL PALCO), 2013, oleo sobre tela, cm.42×30

Pero….pero….hay que tomar en cuenta que somos seres sociales, y parte de la naturaleza, y es bastante cómodo y fácil olvidarse de la historia y del medio ambiente que nos permite vivir…para “descubrir un medio de expresión original”. No es suficiente la “originalidad” del estilo…ni tampoco la representación de las cosas y de los hechos…..se necesita otra “originalidad”, la del ser y la expresión de nuestra existencia….y la cosa se complica más y más.

Michilini, GALLO CEDRONE (UROGALLO), 2013, oleo sobre tela, cm.42×34

Michilini, GALLOSA DE PELEA, 2013, oleo sobre tela, cm.42×42

che conserva una ricchissima documentazione fotografica e bibliografica a disposizione degli studenti e del pubblico in generale.

Nel salone principale di questo Istituto è conservata una scultura del sottoscritto, realizzata negli anno ’90, e riprodotta nel Bollettino Elettronico IHNCA-UCA dello scorso mese di Marzo.

Michilini, 500 ANNI DI SCOPERTE RECIPROCHE, 1992, Instituto de Historia, Universidad Centroamericana, UCA, Managua, Nicaragua

Il Bollettino Elettronico si può visionare in questo Link: historia.ihnca.edu.ni/boletinIHNCA2/ihnca_boletin_marzo_2013/

Il brevissimo testo che illustra la immagine della scultura è il seguente:
Boletín Electrónico IHNCA-UCA (marzo 2013) No. 11
Instituto de Historia de Nicaragua y Centroamérica
Universidad Centroamericana
Obra escultórica en el IHNCA-UCA
Además de resguardar valiosa documentación histórica, en las instalaciones del Instituto se exhiben piezas de arte contemporáneo. En el salón principal se encuentra la escultura “500 años de descubrimientos recíprocos” del artista italiano Sergio Michilini. Este ensamblaje escultórico ofrece, en palabras de su creador “una reflexión sobre el encuentro/choque de dos civilizaciones.”

Michilini, 500 ANNI DI SCOPERTE RECIPROCHE, particolare

ESCULTURA “500 años de descubrimientos recíprocos “TEXTO EXPLICATIVO EN ESPAÑOL:
http://www3.varesenews.it/blog/labottegadelpittore/?p=11253

SCULTURA “500 anni di scoperte reciproche” TESTO ESPLICATIVO IN ITALIANO:
http://www3.varesenews.it/blog/labottegadelpittore/?p=8770

Michilini, 500 ANNI DI SCOPERTE RECIPROCHE, particolare

Michilini, 500 ANNI DI SCOPERTE RECIPROCHE, particolare

Michilini, 500 ANNI DI SCOPERTE RECIPROCHE, particolare

Michilini, 500 ANNI DI SCOPERTE RECIPROCHE, particolare

Sergio Michilini, “500 AÑOS DE DESCUBRIMIENTOS RECIPOROCOS, 1992, ensamblaje escultórico policromado, cm.230x120x60, IHNCA Universidad Centroamericana UCA, Managua, Nicaragua

Sergio Michilini, BUENOS DIAS DON SERGIO, 1996, olio su tela, cm.70×60

Buenos Dias Don Sergio

Viaggio nel mondo del pittore friulano Sergio Michilini, artista e insegnante che rivisita l’arte riportandola a contatto dell’urbanistica e della solidarietà

Siede spesso all’aeroporto. Il cappello sulla testa, il viso espressivo allungato dalle rughe dei suoi cinquant’anni. Viaggia. Nicaragua, Messico, Cuba, Brasile, Italia. Viaggia per lavoro: fa l’artista.

Si sente in lui l’influenza dei grandi pittori, scultori e architetti del passato, che, una volta, erano chiamati artisti.
La nostalgia per il glorioso itinerario secolare dell’arte italiana traspare in tutte le sue opere e si ritrova nelle sue parole.
«Al posto dell’arte, oggi, ci sono mutande e scatolette di sintetici escrementi». Ma Michilini preferisce avventurarsi su un altro percorso, che è quello di non dimenticare la storia dell’arte, ma di conoscerla e valorizzarla.

«Gli artisti che oggi sono gli stilisti e alle pubblicità si dà il compito di riempire i grandi spazi. Quegli stessi spazi che una volta erano colorati dai cieli di Tintoretto, Giotto e Gauguin».

Michilini, 1982, Lonate Pozzolo, Varese, Italia, pittura murale sulla cupola della chiesa di Santa Maria degli Angeli

Michilini rivendica per sé, e per altri artisti italiani e sudamericani poco conosciuti, una figura sociale capace di portare all’urbanistica cittadina un valore aggiunto: quello di essere anche opera d’arte.
«L’architetto non ha più quelle conoscenze che un tempo gli spettavano, l’arte si è allontanata dalle opere pubbliche proprio come l’architettura ha fatto per le Belle Arti. Manca una preparazione adeguata su forme e colori, e il lato prettamente artistico dei progetti viene sottovalutato. Per questo le città crescono senza continuità e gli edifici aggiunti non partecipano alla globalità urbanistica sociale, ma finiscono per essere soltanto altri punti grigi nelle metropoli».

Per questo Michilini dipinge su tela, ma non soltanto. Predilige strade, palazzi e chiese. Luoghi in cui l’arte si combina di nuovo, come nella migliore tradizione italiana e mondiale. «Con il mondo vero».

Michilini, 1989, OGGIONA CON S.STEFANO (VA), Palazzo Comunale, Sala Consiliare

Grande viaggiatore, immagazzina informazioni, raccoglie pensieri, sviluppa idee. Studia il mondo per noi per poi ricomporlo nelle sue opere mescolando il presente e il passato, l’America Latina e l’Italia.

Il lavoro di Michilini si proietta quindi nella direzione dell’artista che non è tale solo perché armeggia con pennelli e scalpelli, ma perché guarda, impara e si perfeziona in continuazione. Questo nel tentativo di proseguire quella grande tradizione di cui si sente figlio, mostrando nuove chiavi di lettura della natura e del mondo umano.

Michilini, CHE GUEVARA CON EL CRISTO AMARILLO, 1996, olio su tela, cm.60×70

Così “Autoritratto con Cristo Giallo” di Gauguin si trasforma e trova espressione nel volto di Che Guevara. Un angolo di giardino ospita il suo autoritratto e gli animali colorati che lo circondano lo salutano con “Buenos Dias don Sergio”. Con questo rivisita le opere di Gauguin e Courbet e il nuovo ruolo dell’artista “vero” nella società odierna. Le leggende prendono corpo tra i murales delle donne maya ed è una nuova venere nera quella che Michilini omaggia a Tiziano.

Sergio Michilini, LA VENERE CENTROAMERICANA, 1996, olio su tela, cm.111×166

Stralci di vita, diapositive sovrapposte una all’altra. Ricche di dettagli tanto da poter essere osservate più e più volte trovandoci sempre un nuovo particolare. Tutt’altro che sintesi, a dispetto dell’Arte Contemporanea che si minimizza dietro le porte della Biennale.

«Un cuoco non può cucinare all’inizio piatti elaborati e prelibati e all’apice della sua carriera presentarci un mattone…». Per questo Michilini ancora studia, compone, prova, impara, perfeziona. Si nota anche dai suoi dipinti che progrediscono diventando più nitidi e ricchi.

Deluso dalle idee che gli avevano fatto pensare un mondo diverso che avrebbe portato al Rinascimento dell’arte pubblica, continua comunque a portare le sue opere dove sembra che gli artisti stiano rientrando nelle opere urbanistiche. «Certo le opere, a volte, sono coperte da scrivanie, computer, uffici. Il problema è che l’arte non interessa più, non viene percepita, viene impacchettata e preconfezionata nelle gallerie in base all’umore dei collezionisti».

Michilini crede nell’arte da vivere, su cui camminare, da poter osservare ogni giorno, nella quotidianità.

Sergio Michilini, AUTORITRATTO, 1996, olio su tela, cm.50×50

Questa esigenza di espandersi nel mondo, di farsi conoscere e di far conoscere le sue opere, lo porta alla creazione di un sito Internet, dove viaggia insieme ai grandi pittori veneti e friulani come il Tiziano, il Tintoretto e il Pordenone di cui si sente discepolo ed erede. Un modo nuovo e inaspettato per un’artista come lui, di offrirsi alla gente, di mostrare quanti colori e quante sfumature ci sono in quel mondo che lui stesso vive ed affronta ogni giorno.

Michilini dunque, non immaginiamolo un una stanza a dipingere, ma per le strade.

A costruire arte, a parlare di politica, di spiritualità, di leggende. A collegare per noi due mondi, l’America Latina e l’Italia, che pur vivendo esperienze diverse inseguono, grazie a Michilini, la stessa «voglia d’arte».

che conformano quel meraviglioso ciclo pittorico che Philippe Daverio definisce come “la Cappella Sistina dell’Europa del Nord”….per la “complessità pittorica” che riflette “quella cultura della riva sinistra del Reno dove follie e fantasmi si sposano in un immaginario che dura fino ai giorni nostri”. Mentre “la contemporanea Cappella Sistina era destinata alla gloria dei ricevimenti papali, questa è destinata all’istruzione del popolo che si ritrovava presso i monaci antoniani, dove la pala veniva articolata secondo i momenti liturgici… Siamo attorno al 1515 e fra poco Martin Lutero affiggerà le sue proposte sulla porta della chiesa di Wittenberg”…..

L’”Altare di Isenheim” di Grünewald, attualmente conservato nel Musée d’Unterlinden di Colmar in Francia (Alto Reno, regione dell’Alsazia), e la Cappella Sistina di Michelangelo sono due capolavori assoluti della civiltà artistica occidentale; dipinti quasi contemporaneamente nei primi decenni del 1500 (L’altare di Issenheim tra il1512 e il 1516 e gli affreschi della Sistina tra il 1508 e il 1541) nel mezzo di grandi sconvolgimenti dei popoli dell’Europa…che vivevano ancora le tragiche devastazioni provocate dalle successive epidemie di peste…

Eravamo all’inizio della Riforma Protestante ( le 95 tesi di Martin Lutero sono del 1517); durante i moti rivoluzionari della Guerra dei Contadini (1520-1526) e delle Guerre di Religione(1524-1648)… poco prima del Concilio di Trento (1545-1563)…e subito dopo della Scoperta dell’America (1492), quando l’Europa iniziava ad essere inondata dall’oro del Nuovo Mondo, che rese possibile la realizzazione di opere audacissime e costosissime d’arte, di architettura e di urbanistica. E l’oro, come si sa, provoca tra gli umani cose bellissime e anche bruttissime, e i riflessi di questi scombussolamenti epocali sono senz’altro visibili nei due capolavori di cui stiamo parlando.

Io l’”Altare di Isenheim” di Grünewald lo definirei piuttosto una anti-Cappella Sistina…molto “al di qua” della trionfante e monumentale descrizione teologico/dottrinale di Michelangelo, dove le certezze dello spazio e del tempo, dagli inizi della Creazione alla fine dei giorni, fino al Giudizio Finale, è sequenziale, cronologica, ordinata e disciplinata, così come doveva essere l’ordine prestabilito del potere della Roma papale.

La visione di Grünewald, sicuramente riflesso degli scombussolamenti centro-europei dell’epoca, insieme alla funzione taumaturgica che doveva avere l’”Altare di Isenheim” hanno creato questa opera allucinante, dove tutto viene sconvolto, la vita e la morte, il principio e la fine…. la vita può coincidere con la morte, il principio può coincidere con la fine , la gloria può coincidere con la vergogna e il trionfo con la catastrofe….perchè non è la imitazione o rappresentazione delle cose o dei fatti il carattere centrale di questo capolavoro, quanto l’esistenza, l’essere e l’espressione dell’essere nel suo insieme, divino, umano, animale e vegetale (Pare di leggere per immagini i racconti di Juan Rulfo, scritti 4 secoli dopo…)

Giovanni Testori parla appunto di “vegetalità generante e generale….dove le voci, gli stridii e i lamenti…le chiamate soffocanti e inesauste…stanno perennemente sul punto di farsi….come se si levassero dall’intrico arrovellato e crudele delle radici di un’immane foresta”….e descrive la Crocifissione in questi termini tremendi: “Che nel corpo di Cristo dovesse contenersi il massimo d’unicità e quasi di concentrazione della natura vegetale, di quella animale e di quella umana…..Cristo, in Grünewald, non scende a incontrarsi solo come uomo; s’incarna come scandalo dell’unità e dell’unicità dell’essere…..Il Cristo di Colmar non è più soltanto un colosso umano; e neppur più soltanto un toro indomabile, anche se vinto; le piaghe che maculano la sua pelle non sono più e solo cicatrici o ascessi dovuti alle spine e agli atrezzi della flagellazione e della tortura; esse sono anche, e nello stesso tempo, escrescenze e oscuri morbi di natura tipicamente vegetale, ferite di tronchi strappati, croste di clorofille malate”……

…”Nè il rapporto tra la testa di Cristo e la corona di spine è quale risulterebbe se la corona fosse stata veramente infilata sul cranio del Crocifisso; esso è quale sarebbe se la corona ne fosse uscita come una gemmazione spontanea e necessaria; nè più nè meno di come vi sono usciti e cresciuti i capelli……Non era forse scritto da sempre che Cristo sarebbe stato coronato di spine? Ma questo “sempre” è, nello scandalo di Grünewald, talmente reale che la corona si sarebbe sviluppata da sè per ferirlo e torturarlo, anche se attorno a lui non ci fosse stato nessun carnefice. Così è assai difficile capire se le spine che fuoriescono, qua e là, lungo tutto il corpo vi sian state immesse o non siano invece spuntate per una sorta di mostruosa e folgorante capacità vegetale dei suoi stessi muscoli e del suo stesso sangue. L’atrocità dell’atto viene, del resto, subito ribaltata dalla maggior quantità, anzi dal massimo di desiderio, di bisogno e di necessità di sofferenza e di morte che si leggerebbe in Cristo, attraverso questa sua folle, animalesca e divina autospinazione”.

E’ difficile inserire questo pittore in un convincente e coerente filo di sviluppo della pittura tedesca dei secoli XV e XVI. Giovanni Testori dice che “Il suo percorso risulta esterno alle regole del grande, tragico gioco o cammino dell’arte”…
L’impianto pittorico e decorativo è ancora medioevale “tardo-gotico”: simbolico nella disposizione dei colori, carichi di valori spirituali (R.Arnheim) e contrastante con la realtà nella scala di grandezza delle figure (Gombrich).

Il Rinascimento Grünewald non l’ha assimilato…l’ha superato con indifferenza sbarcando in una specie di “manierismo” espressionista….che poi ispirerà tutti gli “espressionismi” successivi, fino a quelli moderni e contemporanei.

“A Grünewald non interessano che l’espressione e il movimento. La norma, la misura, le proporzioni della figura umana (che Dürer perseguì per tutta vita) non lo hanno certamente interessato molto. Le sue forme fisiche sono per lo più brutte, malaticce, impossibili o almeno fuori dall’ordinario, anche quando non si sacrifichi niente all’espressione. I volti sono asimmetrici, quasi in ogni dipinto si riscontrano arbitrii di disegno che hanno una giustificazione artistica; oppure tralascia il modellato, come avviene negli schizzi“. (H. A. Schmid, Die Gemälde und Zeichnungen von Matthias Grünewald, 1911)

“La predilezione per i temi drammatici e crudeli manifesta in Grünewald una sensibilità appassionata. L’asprezza con cui li rende svela una sensualità morbosa, una specie di nevrosi che degenera in voluttà del dolore.
Il realismo con cui evoca il cadavere di Cristo sulla croce è di una brutalità che nemmeno i più frenetici spagnoli hanno superato… La sua sensualità esacerbata di mistico si compiace nell’orrendo e nel ripugnante. Nessuno come questo tedesco ha dipinto i ‘livori della decomposizione’, le ‘fosforescenze della putrefazione’…..
Composizione, disegno, colore, ogni cosa è sacrificata o subordinata all’espressione, che deve a ogni costo toccare la massima intensità …
Nei dipinti di Grünewald il colore ha una parte primordiale ed essenziale. Non è una veste d’accatto : si identifica col disegno, è carne e sangue dei suoi personaggi, che non si potrebbero concepire senza di esso … La sua tavolozza è ricchissima. Ha un gusto dichiarato per i toni schietti e opulenti, l’azzurro oltremare, il giallo aranciato, il giallo zafferano, il giallo d’oro. Predilige i rossi, ne modula tutta la gamma, spingendola a limiti estremi, dal rosa salmone fino al lusso della porpora … si direbbe che, anticipando i secoli, Grünewald abbia presentito il principio delle ombre colorate e della esaltazione dei colori complementari, considerati conquista della moderna pittura in plein-air. La definizione che meglio si addice per caratterizzarlo è la parola ‘barocco’, spogliata – s’intende – di ogni significato peggiorativo”. (L. REAU, Matthias Grünewald et le Retable de Colmar, 1920)

Dicevamo che Grünewald, nell’’”Altare di Isenheim” sta parecchio “al di qua” della Cappella Sistina, perchè è ancora umano tra gli umani, tra “follie e fantasmi” e con tutte le incertezze, i dubbi e le sporcizie del “mettere le mani in pasta”, e le sue rappresentazioni non potranno mai arrivare alla eroicità, alla gloria trionfante e alla apoteosi delle certezze di Michelangelo.

Esattamente quattrocento anni dopo José Clemente Orozco ha dipinto la Cappella Sistina dell’America Latina nell’Hospicio Cabañas di Guadalajara-Messico, in un certo senso concludendo il ciclo delle “Cappelle Sistine” …andando “al di là”, implodendo e contemporaneamente esplodendo la monumentalità gloriosa e trionfante di tutte le ideologie e filosofie e “razionalità scientifiche” che hanno guidato questo millennio, in una rappresentazione e narrazione pittorica che prende per mano Grünewald e lo porta ai nostri giorni.

Sono tre “Cappelle Sistine” che vivono gli inizi, le glorie e la fine di questo piccolo frammento millenario della storia della umanità occidentale….

…..con la utopistica nota della purificazione nella cupola dell’Hospicio Cabañas…come speranza della sopravvivenza della vita a condizione di cambiare la rotta e cambiare totalmente i paradigmi fin qui vissuti.

La famosa domanda di Gauguin “Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?” trova risposte contraddittorie, complesse ma profonde in questi tre capolavori:

Da dove veniamo? in Grünewald nell’“Altare di Isenheim” ; Chi siamo? (o chi avremmo voluto essere?) in Michelangelo nella “Cappella Sistina”; Dove andiamo? In Orozco nell’“Hospicio Cabañas di Guadalajara-Messico”

Grünewald Altare di Isenheim